AURUVIAH のアルバム 『割れた鏡』 は、静寂と余韻のあいだから生まれる微細な感情を丁寧にすくい上げ、ひとつの精神世界として構築された作品である。本作に流れる音は、日々の喧騒に飲み込まれて見えなくなってしまった「内側の声」を、もう一度確かめるための灯火のように寄り添う。鏡が割れるという象徴は、単なる破壊を意味するのではなく、心の奥底で長い時間をかけて沈んでいた記憶や想いが、細かな破片となって表面へ浮かび上がる瞬間を表している。光が差し込む角度によって、同じ破片でもまったく異なる色を見せるように、人の感情もまた揺らぎ続ける。その揺らぎこそが AURUVIAH の音楽の核心であり、どの楽曲もひとつの心理的風景を描き出す。


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アルバム全体には、息をのむほど繊細なヴォーカルと、薄い霧のように漂うシンセサウンドが重なり、物語のような流れを生み出している。とくに静かなイントロ部分では、まるで夜明け前の大地がゆっくり呼吸を取り戻すかのように音が現れ、やがて深い感情の層へ聴き手を導いていく。AURUVIAH が表現する声の響きは、悲しみそのものを強調するのではなく、その奥に確かに存在する温度や優しさを静かに示す。痛みは拒まれるものではなく、理解され、抱きしめられるべきものとして描かれている。

楽曲「われたかがみ」は、アルバムの中心に位置するテーマを象徴している。そこでは、自分の中の「見たくなかった部分」や「隠そうとしてきた感情」が、割れた鏡の向こう側に姿を現す。しかし、その姿は決して恐れるべきものではなく、むしろ再生のための重要な手がかりであると AURUVIAH は語りかける。破片のひとつひとつが、過去の痛みと同時に未来への光も宿しているという二面性が作品全体の魅力である。

また、「えいえんのあい」「ほのおのてんし」「わたしのこどくのなかのこどく」などの曲では、人間が抱える深い孤独や葛藤が、過度な dramatization ではなく、透明な質感で描かれている。AURUVIAH の音楽は、暗い感情に沈み込むのではなく、そこにある「静かな真実」を浮かび上がらせる。そのため、聴き手は自身の心の影を恐れることなく見つめることができる。音が語り、声が導き、沈黙が癒しとなる。その構造は精神的な儀式のようでありながら、日常の中で迷いを抱える誰にとっても寄り添う形を保っている。

アルバム後半では、光が少しずつ強さを増し、感情が静かに解放されていく様子が描かれている。「せんのたいよう」「てんしのたましい」などの楽曲では、暗闇の奥に微かに見えていた希望が輪郭を持ちはじめ、その瞬間に訪れる広がりが音の中で確かに感じられる。AURUVIAH は「救い」を直接的な言葉で語るのではなく、音の重なりや響きの余白で示す。その subtle なアプローチこそが、本作をただの音楽作品ではなく、心の記憶に刻まれる体験へと変えている。

全体を通して、『割れた鏡』は「自己の再発見」をテーマにしているように思える。割れた鏡の破片が散らばる光景は、一見すると修復不可能な崩壊を示すように見える。しかし AURUVIAH の音楽は、その散らばったひとつひとつに美しさが宿り、過去の痛みが新しい意味を持ちはじめることを教えてくれる。喪失や孤独を否定するのではなく、それらを通して生まれる静かな強さを受け入れることで、ようやく本当の自分に触れられる——そんなメッセージが作品全体にそっと流れている。

本アルバムは、聴く人が自分自身の深い部分に降りていき、そこで眠っていた感情や記憶と向き合うための音の旅である。暗闇の中で揺れる光、砕け散った破片に映る新しい姿、静けさの奥に潜む希望——それらすべてが AURUVIAH の音によって形を与えられている。『割れた鏡』は、心の奥底に触れ、再生を呼び起こす特別なアルバムであり、聴き手それぞれの人生に静かな変化をもたらすだろう。